Von Matthias Bosenick (19.12.2023)

Kommt einem Spanisch vor, ist aber aus Paris: In Quartettbesetzung macht die möglicherweise nach einem spanischen SciFi-Film benannte Band Autómata, manchmal AutómatA geschrieben, vorrangig Postrock, also das trödelige Dudelzeug mit den flirrenden Gitarren, das seit Jahren existiert und seitdem Schwierigkeiten hat, sich selbst zu erneuern und zu erweitern. Gerade dann indes, wenn dies geschieht, wird „Heart Murmur“, das zweite Album der Franzosen, interessant: Sie setzen Elektronik nicht als Kleister ein, spielen die Gitarre manchmal wie im Achtziger-Wave und wehren sich nicht gegen Sprachsamples und Scratches.

Von Matthias Bosenick (18.12.2023)

Wie man dem alten Gaul Progrock noch immer eine neue Gangart abringen kann: Das Quintett Rubber Tea versetzt ihm auf seinem zweiten Album „From A Fading World“ einen Mix aus Jazz und Bigband, hippiesker Folklore und flötenden Lalo-Schifrin-Filmscores, Carsten-Bohn-Hörspielmusik und Streichern. Den Bremern gelingt es, die vielen Komponenten auf eine unaufgeregte, aber doch aufregende Weise zusammenzufügen: Hier entsteht kein Stress, obwohl so viele Bestandteile zu entdecken sind – und die Band groovt dabei auch noch. Kleine Abzüge gibt es für den Gesang: Vanessa Gross ist keine Inga Rumpf, ihre Stimme ist bisweilen etwas dünn.

Von Matthias Bosenick (14.12.2023)

Vier altgediente Postpunkrocker aus der Gegend um Bologna tun sich zusammen und machen das, was sie am besten können – und worauf sie den größten Bock haben: Sie gründen die Band MarsX und nehmen ein Album auf, auf dem sie alle Qualitäten bündeln, die sie aus früheren Projekten bis zurück in die frühen Achtziger mitbringen. Hier will niemand Hits haben, deshalb sind die elf Sogs so gut und vielseitig, auch wenn sie im Grunde nix neu erfinden. Darum geht’s nicht, hier liegt Rock’n’Roll vor, kraftvoll, melodisch, ansteckend und mit Ausflügen in Glam und Disco auch gar nicht so dunkel, wie es das Etikett Postpunk und Songtitel wie „Rotten World“ suggerieren.

Von Guido Dörheide (13.12.2023)

Ich gehe an das neue Madness-Album mal ran, ohne mir nochmal die Vorgänger „Oui Oui, Si Si, Ja Ja, Da Da“ und „Can’t Touch Us Now“ anzuhören, die mir beide gut gefallen, mich aber nicht vom Hocker gerissen haben. Und bin begeistert. Wenn jemals eine Band, die es schon seit über 40 Jahren gibt, deutlich gemacht hat, dass sie a) künstlerisch immer noch über jeden Zweifel erhaben und b) weiterhin relevant ist, dann Madness mit „Theatre Of The Absurd Presents C’est la Vie“ (allein der Titel ist schon Welt, finde ich).

Zuallererst muss man sich mal vor Augen halten, wer eigentlich die sechs Herren waren, die seinerzeit (1979 auf dem Coverartwork von „One Step Beyond“) den Silly Walk performten. Es waren Graham MacPherson („Suggs“, Gesang), Mike Barson („Monsieur Barso“, Keyboards), Chris Foreman (Gitarre), Mark Bedford (Bass), Lee Thompson (Saxofon) und Dan Woodgate (Schlagzeug). Danach kam noch das langjährige Bandmitglied Cathal Smyth („Chas Smash“, Trompete und Bewegungen auf der Bühne) hinzu, der 1980 ein- und 2014 wieder ausstieg.

Von Guido Dörheide (13.12.2023)

Hier schließt sich ein Kreis: „Unplugged“ war 1993 eins der ersten Neil-Young-Alben, die ich mir (nach „Harvest“ und „Freedom“) als junger Erwachsener zulegte, und damals war ich überwältigt davon, was Young allein mit Stimme, Gitarre und Harmonium auf die Beine stellt. Das war vor 30 Jahren, und mit „Before And After“ legt der Pate des Grunge nun wieder ein rein akustisches Livealbum vor, diesmal auch ohne Publikumsgeräusche. „Mr. Soul“ (im Original vom Buffalo-Springfield-Album „Buffalo Springfield Again“ von 1968) brachte mich damals dazu, zum Buffalo-Springfield-Fan zu werden, und zahlreiche andere Klassiker wie „The Old Laughing Lady“, „Pocahontas“ sowie das damals noch recht neue „Harvest Moon“ veranlassten mich zu einer eingehenden Beschäftigung mit Youngs übrigem Werk. Wie schon damals ist auch auf dem aktuellen Album die Hitdichte nicht sehr hoch (und Young könnte mehrstündige Konzerte geben, ohne auch nur einen einzigen Nicht-Hit zu spielen, aber das macht er nicht), und weiland wie heute steht das den beiden Alben sehr sehr gut. Und dem Guardian war „Before And After“ gleich zwei Rezensionen wert, eine am 08. und eine am 10. Dezember erschienen.

Von Matthias Bosenick (13.12.223)

Die hörbare Ähnlichkeit zu Traffic und anderen hippieesken Beatkapellen versteckt der Schweizer Schlagzeuger mit dem musikalischen Namen Rémy Sträuli gar nicht erst: Er nennt das zweite Album seines Solo-Projektes Yonder Pond „Mole In My Shoe“, was auch dem Humor des Originals noch eines draufsetzt. Mit Schalk im Nacken also, auch erkennbar an den fiktiven Musikern dieses Projektes, macht sich der Mann aus Basel daran, seinen bekifften Vorbildern nachzueifern, und die Pastiche gelingt ihm überzeugend: Beatles, Zappa, Krautrock, Hipperock, Artrock mischt er auf eine Weise zusammen, die es so damals nicht gab – das ist das Glück der Spätgeborenen, die sich bei Bestehendem mehrerer Töpfe bedienen können.